透過畫家之眼，探索美
即使世界是荒蕪的沙漠，仍能從中找到美的路徑
藝術巨擘路米斯
畢生美學思想與繪畫觀集大成
★影響全球的美感啟蒙經典★
從觀看生活，到藝術創作；從欣賞藝術，到美學追求……
像藝術家一樣觀察思考，
從平淡日常，窺見永恆之美
★ 12項繪畫原則 ╳ 61幅經典畫作 ╳ 17張圖解分析
★ 水彩名家簡忠威——專文解說
★ 享譽半世紀，所有習畫者相見恨晚的一本書！從題材到技法，淬鍊風格與心法的13堂課
達文西說：「繪畫不是複製眼前一切，卻對它一無所知。」《畫家之眼》企圖為所有藝術愛好者解決一個最基本，也最難回答的問題：何謂藝術之美？繪畫大師路米斯從畫家的角度出發，探討畫家如何看待生活周遭的一切，以及藝術的本質。同為傑出藝術教育家的路米斯，善於引導讀者思辯，並影響著近三分之二個世紀的習畫者與畫家。即便是不懂得作畫的藝術愛好者，也能從本書獲得啟發。
本書結合大師作品與路米斯手繪圖解分析，循序漸進告訴讀者，如何「觀察取材」、「簡化主題」、「設計構圖」、「調和色彩與韻律」等。本書核心的12項繪畫原則，就是古今繪畫大師追尋美的歷程，更是鍛鍊「畫家之眼」的內功心法。
眼前所見，遠比你所知更多
培養畫家之眼，掌握審美的12大要素
▎ 什麼樣的畫，才算得上是好畫作？
能夠取悅你的畫，就是好畫作；用取悅自己的方式去畫，就能畫出一張好畫。每個人發現的美，都可能與眾不同，真正困難之處在於如何將其捕捉。因此，學會以「畫家之眼」看待事物，是追尋美的第一步。
▎ 如何將作品從「好看」提升到「美」的層次？
好看的畫作通常內涵不足，沒有真正深入或忠於自然之美。藝術作品要有內涵和美，就必須以事實為依據。畫家為了畫出美的畫作，會將自己置身在最能激發靈感的美景中，並終其一生研究眼前所見的真實。
▎ 我們應該畫己所見，還是畫己所感？
畫家應該畫出眼前所見的精髓，而不是看到什麼就照單全收。設法在作畫前全盤考慮美的要素，好比：如何強化或簡化主題？如何運用色彩對比製造戲劇效果？畫面的編排能否完整解釋作品？透過思索這些問題，將美加以擴大、發展。
▎
如何發展出引人入勝的個人風格？
習畫者如果想進一步淬鍊出個人風格，就要先熟練繪畫基本功。畫家的技法即是風格，只能自行創造，無法複製。必須先學會「觀察」，培養自己的「畫家之眼」。每位畫家都應耐住性子，持續實驗，為自己找到創作的答案。
「美原本就存在，只是等著我們去發現。」
本書不同於一般藝術史著述，以繪畫大師的角度出發，
不只提供讀者觀看的方法、藝術的知識，更催化讀者的創造力。
即便不舉起相機、不拿起畫筆，
眼前所及之處，創作與美俯拾皆是。
作者簡介
安德魯‧路米斯Andrew Loomis
美國實力派插畫大師，同時也是知名美術教育家。1892年生於紐約，1911年就讀紐約藝術學生聯盟，師從藝用解剖學權威喬治‧伯里曼（George Bridgman）。1930年代起，路米斯在芝加哥開始了他的繪畫教學之路。
路米斯一系列素描教學與繪畫論述深受讀者喜愛，影響著近三分之二個世紀的習畫者。《畫家之眼》在路米斯辭世兩年後才集結出版，是路米斯繪畫觀念的集大成之作。美國漫畫大師亞力克斯‧羅斯（Alex Ross）讚譽：「我全部的繪畫技法和我畫的超級英雄，都應該歸功於路米斯的天才著作。」
主要著作有：《人體素描聖經》、《素描的原點》、《素描的樂趣》、《創意插畫聖經》等。
譯者簡介
陳琇玲
美國密蘇里大學工管碩士，曾任大學講師、參與軟體中文化及影片翻譯、Alcatel Telecom主任稽核師。榮獲全國模範勞工及金書獎，現為自由譯者，閒暇學畫自娛。重要譯作包括：《阿爾瓦羅的大師水彩課》、《藝術精神》、《構圖的祕密》、《畫家之見》等。
推薦人簡介
簡忠威
水彩專業畫家暨繪畫藝術教育者。1990年輔仁大學應用美術系畢業，1998年台灣師範大學美術研究所西畫創作組碩士。2013年首次登上法國水彩藝術雜誌，以十頁篇幅專訪，開始邁向國際水彩畫壇。2015年為台灣首位獲得美國水彩畫協會（AWS）與美國全國水彩畫協會（NWS）雙重署名會員殊榮之水彩畫家。作品近年獲頒多次國際水彩獎項，並陸續登上國外各大水彩專業雜誌刊物專訪。2015年開始受邀至大陸、香港、新加坡、俄羅斯、美國、義大利、加拿大、墨西哥、德國、土耳其、西班牙、英國、法國、比利時等世界各地十餘國舉辦二十多梯次的簡忠威國際水彩高研班。
前言 藝術的起源與美的追尋
Chapter1 透過畫家的眼睛去觀察
以畫面的觀點觀察
好畫作的首要法則
測量視線範圍
訓練眼睛觀察三維物體
畫面即結果
畫面編排與分群
觀察個體與眾不同的特徵
Chapter2 該畫什麼？
為自由創作做準備
如何尋找繪畫主題？
最具「說服力」的具象表現
抽象構圖的實驗方法
隨時留意好題材
好看的作品vs.美的作品
Chapter3 統合感
使畫面產生關係與平衡
好畫作具備「一致性」
恰到好處的創作
Chapter4 簡潔及如何化繁為簡
在小草圖中展現主題
簡化眼前所見，或挑選簡單的主題
整體與焦點
化繁為簡的方法
Chapter5 設計
設計的用意
主題的處理可能比主題本身更重要
為觀眾設計一條觀看的路徑
布局是吸引目光的絕佳武器
情緒震撼力：每樣事物都會帶來感受
「設計」比構想或主題更為重要
Chapter6 比例
畫家創造的比例
描繪vs.繪圖
比例的表現性：使觀眾耳目一新
事實協助我們理解更廣大的事實
Chapter7 色彩
用三原色達到美的極致
實驗色彩的方法
色彩協調是畫作成功的關鍵
特別注意：陰影的顏色
光與色彩的關係
用色彩形成焦點
Chapter8 韻律
找出線條的主要方向
明度與色彩的韻律
韻律來自情感，情感產生力量
Chapter9 形體
寫實的形體vs.變形的形體
如何觀看形體？
形體的理想化
Chapter10 質感
質感的暗示
個人品味的養成
Chapter11 光的明暗
栩栩如生的祕密
特別注意：陰影裡的反射光
亮部與陰影之間
獵光
Chapter12 主題之美
感動即為藝術之本
尋找、發現、創造
以展現美為目標
Chapter13 技法
技法即風格：只能創造，無法複製
利用筆觸構成形體
基本功的難題
每種技法都獨一無二
為自己找到創作的答案
解說 透過畫家之眼，探索美
Chapter1 透過畫家的眼睛去觀察
▎以畫面的觀點觀察
畫家要追求作品的極致美感、統合感和編排巧思的首要步驟就是，學會以畫面的觀點去看待每件事。這表示讓眼、手及所選媒材之間，盡可能融為一體。最後，大多數畫家的手能自然隨著雙眼所見而畫，甚至能輕鬆調和媒材及應用媒材。事實上，畫家常會驚喜地發現，自己竟然不自覺地使用某種技法，正確表達本身想要傳達的印象。畫家當時根本沒有考慮自己要用什麼技法，就直接把看到的事物暗示出來或如實描繪。由此可知，技法是結果，不是刻意的筆觸詮釋。不過，如果畫家有耐心，也對自己所見所感有信心，最後就會發展出自己的獨門技法。
當然，我們看到有些畫家的技法一流，令人欣羨不已，也讓許多年輕畫家（甚至年長畫家）忍不住想要模仿學習。結果卻適得其反，這樣做的畫家反而被技法阻礙，無法真正認清描繪主題，也常忽略掉美的其他要素。
當我們以技法的觀點去思考時，就可能無法顧及明暗、關係或色彩。因為這個時候，我們滿腦子只想著用什麼筆觸，沒空去想別的。技法是個人特色的強烈暗示，如果你懂得善用技法，就能讓自己的作品不自覺地帶有個人特色。而且，技法就像筆跡一樣，每個人都不盡相同。
用心觀察，畫你所見。如果你能暗示某項物體或景象並讓人信服，那就比一五一十地描繪要好得多。簡潔俐落的速寫通常比精細刻畫更加生動逼真（⊕4）。事實上，我們很容易訓練眼睛去觀察我們想看的東西，其實眼睛本來就被訓練這麼做。舉例來說，我們在人群中，可以很快找出自己要找的面孔，把其他面孔視若無睹。如果我們打算畫出和煦的陽光，我們眼裡看到的陽光可能比實際光線暖和些。如果我們打算畫出物體的輪廓，我們眼裡看到的就是輪廓，其他東西都變得糢糊不清。如果我們打算以色調描繪某項主題，我們會開始看到以前沒有注意到的明度和關係。以畫出物體輪廓為例，我們真的只盯著輪廓看，其他一切都變成次要。以色調描繪主題為例，塊面（mass）和色調就變成最重要，邊緣和輪廓就變成次要。我們觀察色彩時，必須也注意跟色彩密切相關的明度或色調，眼睛的訓練就是從這一點開始做起。
我們必須教育眼睛，一次不能只看一樣東西，或景象的某個部分。許多畫作都只從線條下手，在輪廓裡補上色調，沒有考慮實際邊緣或色調的作用，或顧及色調之間的關係。也就是說，畫家根本不理會教科書上那套色調跟色彩的應用手法，只是在輪廓線的區域裡塗上色彩。這種做法並不是繪畫的真義。
經驗老到的畫家懂得研究主題的各個面向。在開始作畫前，畫家對整體效果的觀察愈深入，畫出的作品就愈精彩。畫家會以邊緣或輪廓檢視塊面，觀察塊面的明度和色彩，並決定塊面跟其他塊面與色彩的關係。畫家不會一次只看一樣東西，因為所有東西都密切相關，彼此呼應或互相影響。
我們在作畫時，當然有可能從輪廓下手。但前提是，我們已經仔細觀察輪廓線如何跟其他色調融合，以及輪廓線會在哪個部分開始鬆掉。我們甚至可以在底稿上，以短線條在邊緣處標示，表示這個邊緣應該柔化或鬆掉。如果我們以銳利線條描繪每個物體的輪廓，就很可能忽略所有真正的邊緣，而接受我們記下的銳利線條。最後，我們畫出的作品就會呈現一種緊繃和僵硬感，創作手法也不夠自由，因為這種畫面既缺乏想像力也沒有創意。這種繪畫只是在填色。看著照片作畫就可能增加這種緊繃和僵硬感，我們沒有看到真實景象，只是依照著相機銳利鏡頭巨細靡遺記錄的一切去畫。
我們在檢視主題，開始動筆作畫前，要先停下來，好好想想。我們必須知道，任何畫面都是從單一色調開始（也就是畫布或畫紙的色彩），最後被分解為更多色調。因此，塊面和色點的編排模式由此形成。其實，這就是我們應該訓練眼睛去觀察的首要事物──看整個畫面，盡可能從中找出圖案或設計。我們必須決定畫面的邊界、決定畫作的形狀和大小。先利用小草圖畫出圖案或構圖（composition），就是一個好習慣。
▎觀察個體與眾不同的特徵
關於戶外寫生，有一些經過實證並被廣為接納的事實，了解這些事實有助於訓練眼睛的觀察力。這些事實包括：除非有很亮的建築物圖案或其他白色或幾近白色的素材，否則天空通常是畫面中最亮的圖案或塊面。地面通常是次亮的塊面，是受光線或陽光直接照射在近乎平坦的平面上。第三個明度通常出現在斜面，也就是像遠山、屋頂、河岸等跟光源呈斜角之處。最暗的圖案大多出現在樹木、峭壁或有陰影投射到地面的柱狀體（⊕6）。
你常會發現，陰影的明度跟光源的亮度息息相關。也就是說，陰影中最亮的色調就出現在最亮色調的光線處，次亮的陰影就出現在次亮的光線處，依此類推，光線中最暗的物體，其陰影自然就最暗。最亮的陰影以中間明度或再上一階明度表示，也就是說白色（最亮處）的陰影通常是以中間色調或再上一階的色調表示，所有光影明度就以此為起點，依照適當順序往下發展。不過，我們可要記住，有些陰影可能因為地面反射光或附近一些反光表面的投影，所以會比原本排序的明度來得亮些。
為畫面制定明度階，能協助你訓練眼睛，以畫面意識來觀察色彩。我們都能看到色彩和色調，也都能正確說出純色的名稱。但以繪畫來說，我們會用到許多說不出名稱的色彩，這些色彩被弱化和柔和掉，製造出某種光線或氛圍的效果。在繪畫上，色彩唯有在明度及跟鄰近色彩的寒暖色關係都正確時，才能如實呈現所見之物。我們不能把天空的顏色跟地面的顏色混合，把葉子的顏色或膚色拿來來畫水管。人的膚色在湛藍天空下的陰影處，跟同樣肌膚在溫暖陽光下，會呈現截然不同的顏色。天空反射的藍光或陽光的暖色光線，會改變肌膚的固有色或實際顏色，讓肌膚的顏色跟周遭環境產生關係。
我們尋找色彩的因果關係，也觀察形體和其他繪畫特性的因果關係。如果明亮的陽光照在綠色草地上，草地的亮綠色就會向上反射到草地上任何物體的下方，也可能向上反射到陰影區，比方說：穀倉的陰影面。同時，天空的藍色可能映照到同樣的平面。因此，陰影的下方會是暖色，上方會是寒色，而且也會受到穀倉本身固有色的影響。
訓練眼睛像畫家那樣觀看，重點就是「提供眼睛各種資訊，讓自己了解該尋找什麼」。我們不可能光靠自己，就能做出以往所有畫家辛苦累積的許多觀察和繪畫探索。但是，每個人都會為自己創造許多發現，然後就能辨識出其他人的作品。這些知識鮮少是由模仿習得，而是直接跟大自然接觸的心神領會，古今中外的畫家皆然，都是透過這種方式學到這些知識。
美原本就存在，只是等著我們去發現。對有些人來說，所有事物大都是以群體存在──樹木、花朵、動物、汽車，每一群看起來或多或少都很相似，除非我們對某個主題特別感興趣並認真研究。要是你對汽車感興趣，你就會個別看待每輛車，把每輛車當成個體並看出其本身的特徵。畫家之眼必須用這種方式運作。畫家必須把一棵樹當成個體，觀察這棵樹的成長、特殊形態和分枝、樹葉形狀的團塊，也就是去觀察讓這棵樹與眾不同的特徵。俄裔美籍畫家尼古拉‧費欽（Nicholai Fechin）告訴學生：「你在畫蘋果，而且是在畫『這顆蘋果』。」美國畫家弗雷德里克‧ 雷明頓（Frederic Remington）畫過許多景色，也畫過印地安人，但他畫阿帕契族人就像阿帕契族人，不是只像印地安人。這類差異很重要，也會讓畫作有所依據。
